Autor: Victor Falcón

Victor Jesus Falcón Montes

Cultura y Diseño II -I19 UAM-Azcapotzalco

• Ejercicio 1: Definir que es Diseño.

Se denomina Diseño a toda actividad creativa principalmente implementada con el fin de generar un funcionamiento de algo o de una cosa con otra mediante infinidad de métodos y técnicas distintas. Es un concepto muy amplio ya que puede aplicarse a distintos métodos de estudio, como el arte, la arquitectura, la música, la ingeniería, etc.
Este puede, de igual forma, ser considerado un lenguaje o método de comunicación para tener una mejor comprensión y percepción de las cosas o de algo en especifico.

• Ejercicio 2: Definir que es Cultura.

Puede definirse como al conjunto de ideas, pensamientos, creencias y costumbres generadas a partir del pensamiento humano y de sus experiencias, las cuales, han trascendido a lo largo del tiempo y que a su vez, van dando lugar a uno o mas círculos sociales de individuos con el cual ha compartido dichas experiencias y donde cada individuo que lo conforma, pueda sentirse identificado y que de ser así, todos estos pensamientos y experiencias puedan ser aceptadas y consideradas como validas dentro de cada circulo social siempre y cuando, estas aporten algo para un mejor desempeño como sociedad o para fortalecer la identidad de este.

Clase 1

Francisco Javier Clavijero. 

Francisco Javier o Xavier Clavijero o Clavigero; Veracruz, 1731 – Bolonia, Italia, 1787) Historiador y jesuita mexicano. Descendiente de españoles (su padre era funcionario en la Nueva España, al servicio del Gobierno peninsular), Francisco Javier Clavijero estudió en Puebla e ingresó después en la Compañía de Jesús.

A raíz del decreto de expulsión de los jesuitas, embarcó en Veracruz rumbo a Italia (1767), pero tuvo que detenerse en La Habana, aquejado por una grave enfermedad; durante su destierro, residió primero en Ferrara y después en Bolonia, donde murió.

Como ocurre generalmente con los desterrados, su obsesión era la patria lejana, y a ella dedicó su atención y actividad al escribir su Historia antigua de México, casi sin recursos, a base de los documentos reunidos por Carlos de Sigüenza y Góngora, y de casi todo cuanto se había escrito hasta entonces en relación con el tema.

Hombre de espíritu moderno, conocedor de los textos de René Descartes, Gottfried Leibniz y Benito Jerónimo Feijoo, Clavijero preconizó la modernización de la filosofía escolástica y combatió el barroquismo desenfrenado en el lenguaje. Es interesante en ese sentido su Diálogo entre Filateles y Paleófilo.

En 1789 se publicó en italiano, en Venecia, su Historia de la Antigua o Baja California, obra póstuma de la que se publicó en México, en 1852, una traducción castellana de Nicolás García San Vicente. Cronológicamente, Francisco Javier Clavijero es el primer historiador mexicano de importancia.

Cuadros de Castas.

Fue un fenómeno artístico desarrollado en la Nueva España en el siglo XVIII. Las pinturas, en parte, eran producto de la ilustración y representación de las muchas variaciones de castas (Producto de las mezclas de razas en el nuevo mundo).

Estas pinturas son muy interesantes porque reflejan la vida de la sociedad novohispana, muestran las actividades a las que se dedicaban, la ropa que usaban y el lugar donde vivían.

A las personas que racialmente fueron el producto de mezclas de distintas etnias se les denominó «castas». Este heterogéneo grupo tuvo el mismo problema social que los mestizos. Si no se les podía ubicar claramente dentro de algún grupo racial, eran negados y discriminados por unos y otros. Las castas muestran la complicada estructura social que se formó en la Nueva España.

Año 1783, La era del Diseño Moderno en México. 

Nueva España, se crea la primera academia de arte en México y Latinoamérica, por el Rey Carlos III, llamada “La Academia de San Carlos” que estaba basada en la escuela de “San Fernando” de Madrid. En esta academia se impartían las tres nobles artes: Arquitectura (madre de las artes), Pintura y escultura.

La arquitectura en estos años es de estilo Neoclásico, como el Palacio de Minería, el Museo de San Carlos y el Hospicio Cabañas en Guadalajara, México tendrá una fuerte conexión con la arquitectura de Europa. Se estudió la estética Neoclásica desde 1783 a 1902, donde se hacían puros retratos con temas religiosos.

Manuel Tolsá.

Nacido el 4 de Mayo de 1757, en Valencia. Fue un reconocido arquitecto, ingeniero y escultor español, que vivió y desarrollo su actividad en la Nueva España, desde 1791 en donde quedo encargado, hasta su muerte, como Director de Escultura de la Academia de San Carlos.

Estas son algunas de sus obras de Manuel Tolsá en México.

Palacio de Minería.

Estatua ecuestre de Carlos IV, «El Caballito».

Antiguo palacio de Buenavista (hoy Museo Nacional de San Carlos).

Litografía.

La litografía es un procedimiento de impresión que consiste en trazar un dibujo, un texto, o una fotografía, en una piedra calcárea o una plancha metálica. Hoy casi en desuso, salvo para la obtención y duplicación de obras artísticas. Su creador fue el cajista alemán Aloys Senefelder en 1796. Etimológicamente, la palabra «litografía» proviene de los términos griegos lithos, ‘piedra’, y graphe, ‘dibujo’.

En la técnica litográfica se utiliza la diferente adherencia entre sustancias hidrófilas e hidrófobas. Como el agua rechaza las tintas grasas, no se imprimen las zonas grasas aunque se encuentran en el mismo nivel, por ello las matrices litográficas se llaman también planográficas.

En las técnicas manuales la formación de la matriz consiste en la adhesión de las tintas grasas y resinosas sobre el papel litográfico. Con estas tintas se traza el dibujo que se va a reproducir, el cual queda fijado mediante una solución de ácido nítrico y goma arábiga. La adhesión de la sustancia grasa produce un jabón calcáreo o metálico insoluble que constituye la base de señales de impresión.

Para este tipo de impresión se utiliza una piedra caliza pulimentada sobre la que se dibuja la imagen a imprimir (de forma invertida) con una materia grasa, bien sea mediante lápiz o pincel. Este proceso se basa en la incompatibilidad de la grasa y el agua. Una vez la piedra humedecida, la tinta de impresión solo queda retenida en las zonas dibujadas previamente.

Para cada color debe usarse una piedra distinta y, evidentemente, el papel tendrá que pasar por la prensa de imprimir tantas veces como tintas se empleen. En los carteles impresos mediante el sistema litográfico, tan frecuentes en la segunda mitad del siglo XIX y primeras décadas del siglo XX, se utilizaban quince, veinte o más tintas. Entre ellos son de destacar los que anunciaban las corridas de toros, los de las Semana Santa, y los diseñados durante la Guerra Civil española.

Claudio Linati.

Nacido el 1 de febrero de 1790, fue un pintor y litógrafo italiano. Estableció la primera prensa litográfica en México. Fue co-fundador y editor de El Iris, periódico que publicó las primeras historietas políticas en México, y estuvo forzado para dejar el país a causa de su activismo político. Linati también estuvo implicado en causas revolucionarias en Italia y España. Es conocido por su libro coloreado a mano en el que ilustra trajes de diferentes de personas en México.

Es recordado por sus ideales revolucionarios liberales y su legado artístico e histórico. Su obra más destacada es la recreación de trajes típicos y escenas costumbristas reunidos en los textos y litografías que creó para el libro “Trajes civiles, militares y religiosos de México”, publicado en Bélgica en 1828, en Londres dos años después y más tarde traducido al español e impreso en México, incluye el primer inventario de tipos mexicanos realizado por un artista extranjero.

31/Ene/2019

Historia del Arte.

El origen del arte se sitúa en el Paleolítico, durante la Edad de Piedra.

Si bien hace unos años estaba extendida la teoría de que el arte surgía a principios del Paleolítico Superior como una producción característica del Homo Sapiens Sapiens hace 40.000 años en Europa, se han encontrado recientemente manifestaciones artísticas mucho más antiguas en otros continentes como África y Australia.

A partir de estos hallazgos se cree que la aparición del arte es un fenómeno universal y se contempla la posibilidad de que el hombre de Neandertal (Homo neanderthalensis) también produjese arte.

Las pinturas rupestres están consideradas las primeras manifestaciones del hombre en el arte.

3,500 a.C. El Origen de la Escritura. 

La escritura es necesaria para expresar gráficamente ideas completas en íntima relación con el sonido de la lengua hablada. Para ello, el ser humano fue confeccionando diferentes formas de representar las palabras –tanto la idea como su pronunciación– y comenzó con los pictogramas, imágenes de las cosas tal como son, es decir, que para decir sol y calor se dibujaba al astro solar. Se trata de una escritura icónica –la imagen es equivalente a lo representado y a las ideas afines, con las dificultades añadidas para poder distinguir unas de otras–, y sus ejemplos más antiguos se conocieron en el IV milenio antes de nuestra Era en Mesopotamia y Egipto, y en el milenio siguiente en China o en el Valle del Indo.

Los pictogramas e ideogramas tienen muchas limitaciones, entre otras su imposibilidad de representar ideas abstractas si no es a través de signos esquemáticos previamente asociados a un valor fonético. Por ejemplo, el dibujo del Sol en Egipto servía, pues, para representar al astro rey de nuestro sistema planetario, pero también al dios solar, Ra, y para escribir la primera parte del nombre del faraón Ramsés; otras ideas o conceptos son más difíciles de identificar, pues a veces se empleaban los mismos signos para varias ideas similares si éstas se pronunciaban igual. Así comenzó la evolución hacia formas de escritura donde se buscaba la identificación de un sonido con un signo concreto. De esta forma surgieron los sistemas silábicos, donde cada palabra se descomponía en sílabas y cada una de ellas estaba claramente marcada con su signo correspondiente.

• Tarea 1: Investigar porque estuvo dañado el palacio Virreinal en el Siglo XVIII. 

HISTORIA.

Conocido como el Antiguo Palacio del Ayuntamiento, se trata de uno de los edificios más emblemáticos de la Ciudad de México, no sólo por su importante papel político, sino también por su ubicación en el corazón de la entidad.

Con seis siglos de historia, el espacio que se eligió para erigirlo representa desde tiempos mexicas un lugar designado para el poder.

El inmueble fue uno de los primeros que se construyeron tras la caída de Tenochtitlan. Su edificación fue ordenada por Hernán Cortés en 1522 y se terminó entre 1527 y 1532. Era de estilo medieval y se pensó como fortaleza ante posibles levantamientos indígenas. Tenía corrales para aves, carnicerías, un granero y una cárcel.

En 1692, y tras una severa crisis de abastecimiento de alimentos, la gente hambrienta y enardecida saqueo el edificio y le prendió fuego. La estructura quedó severamente dañada, pero el archivo histórico se salvó gracias a la intervención del erudito Carlos de Sigüenza y Góngora.

A principios del Siglo XVIII, entre 1714 y 1721, el Palacio del Ayuntamiento fue reconstruido por el arquitecto Antonio Álvarez. De ser un inmueble austero con muros anchos y ventanas pequeñas, pasa al estilo Barroco Peninsular, con arcos y adornos, y después se le agrega el estilo neoclásico. De la primera edificación sólo permanecen los cimientos.

• Tarea 2: Investigar cual fue la primera constitución en México.

Constitución de 1824, originalmente conformada por 7 títulos y 171 artículos. Fue la primera constitución conocida en nuestro país.  En su interior se reconocía la existencia de diecinueve estados independientes  del Distrito Federal (CDMX). La creación de este documento fue influenciada por tres documentos: La constitución de Cadiz, La Constitución de los Estados Unidos y el Decreto Constitucional para la libertad de la América Mexicana de 1824.

Esta constitución fue la primera de México como país Independiente, incluso en su primer articulo, podemos leer «La nación mexicana es para siempre libre e independiente del gobierno español y de cualquiera otra potencia»

El Origen de la constitución de 1824 podemos rastrearlo después de que finalizara el Imperio de Agustín de Iturbide. Luego de esto, hubo un gobierno provisional que convoco a un Congreso Constituyente y que tuvo lugar en 1823. Durante esta reunión, se condenso un conjunto de leyes que dio lugar al Acta Constitutiva de la Federación, para regir al pais de manera provisional.

El proyecto de la Constitución Federativa de los Estados Unidos Mexicanos, se inicio formalmente el primero de abril de 1824. Esta Constitución paso por varias etapas como la aprobación de el día 3 de Octubre, promulgada el día siguiente y publicada el 25, todo el mismo mes. El nombre de este documento quedo como «Constitución Federal de los Estados Unidos Mexicanos»

Hernán Cortés.

Medellín, Badajoz, 1485 – Castilleja de la Cuesta, Sevilla, 1547) Conquistador español de México. Pocas veces la historia ha atribuido al brío y determinación de un solo hombre la conquista de un vasto territorio; en esta reducida lista se halla Hernán Cortés, que siempre prefirió quemar sus naves a retroceder. Con escasos medios, sin apenas más apoyo que su inteligencia y su intuición militar y diplomática, logró en sólo dos años reducir al dominio español el esplendoroso Imperio azteca, poblado, según estimaciones, por unos quince millones de habitantes.

Es cierto que diversas circunstancias favorables lo acompañaron, y que, llevado por la ambición y la sed de honores y riquezas, cometió abusos y violencias, al igual que otros conquistadores. Pero, de todos ellos, Cortés fue el capitán más culto y más capaz, y aunque ello no sirva de atenuante, lo impulsó también un gran fervor religioso; su conciencia moral llegó a plantearle si era lícito esclavizar a los indios, una duda insólita en los albores del proceso colonizador que siguió al descubrimiento de América.

Biografía:

Procedente de una familia de hidalgos de Extremadura, Hernán Cortés estudió brevemente en la Universidad de Salamanca. En 1504 pasó a las Indias, recién descubiertas por Cristóbal Colón, y se estableció como escribano y terrateniente en La Española (Santo Domingo). En 1511 participó en la expedición a Cuba como secretario del gobernador Diego Velázquez de Cuéllar, con quien emparentó al casarse con su cuñada; Velázquez le nombró alcalde de la nueva ciudad de Santiago. En 1518 Diego Velázquez puso a Hernán Cortés al mando de una expedición a Yucatán; sin embargo, el gobernador desconfiaba de Cortés, a quien ya había encarcelado en una ocasión acusado de conspiración, y decidió relevarle del encargo antes de partir.

Advertido Cortés, aceleró su marcha y se hizo a la mar en 1519, antes de recibir la notificación. Con once barcos, unos seiscientos hombres, dieciséis caballos y catorce piezas de artillería, Hernán Cortés navegó desde Santiago de Cuba a Cozumel y Tabasco; derrotó a los mayas allí establecidos y recibió (entre otros regalos) a la india doña Marina, también llamada Malinche, que le serviría como amante, consejera e intérprete durante toda la campaña. Desobedeciendo órdenes expresas del gobernador Velázquez, fundó en la costa del golfo de México la ciudad de Veracruz, llamada entonces Villa Rica de la Vera Cruz.

La conquista del Imperio azteca.

Allí tuvo noticias de la existencia del Imperio azteca en el interior, cuya capital se decía que guardaba grandes tesoros, y se aprestó a su conquista. Para evitar la tentación de regresar que amenazaba a muchos de sus hombres ante la evidente inferioridad numérica, Hernán Cortés hundió sus barcos en Veracruz; de este episodio procede la frase hecha quemar la naves, expresión de una determinación irrevocable. Pronto logró la alianza de algunos pueblos indígenas sometidos a los aztecas, como los toltecas y tlaxcaltecas.

Tras saquear Cholula, Cortés llegó a la capital azteca, Tenochtitlán, en donde fue recibido pacíficamente por el emperador Moctezuma II, que se declaró vasallo del rey de Castilla. La posible identificación de los españoles con seres divinos y de Cortés con el anunciado regreso del dios Quetzalcoátl favoreció quizá esta acogida a unos extranjeros que, sin embargo, empezaron enseguida a comportarse como invasores ambiciosos y violentos.

Mientras tanto, para castigar la rebeldía de Cortés y obligarlo a volver a Cuba, el gobernador Diego Velázquez envió contra él una expedición al mando de Pánfilo de Narváez. Cortés hubo de dejar la ciudad a su lugarteniente Pedro de Alvarado para hacer frente a las tropas de Narváez, a las que derrotó en Cempoala en 1520, consiguiendo además que se uniese a él la mayor parte del contingente.

Cuando regresó a Tenochtitlán, Cortés se encontró con una gran agitación indígena contra los españoles, provocada por los ataques realizados a sus creencias y símbolos religiosos y por la matanza que había desencadenado Pedro de Alvaradopara desbaratar una supuesta conspiración. Cortés hizo prisionero a Moctezuma II e intentó que éste mediara para calmar a su pueblo, sin lograr otra cosa que la muerte del emperador.

Hernán Cortés se vio entonces obligado a abandonar Tenochtitlán en la llamada «Noche Triste» (30 de junio de 1520), en la que su pequeño ejército resultó diezmado. Refugiado en Tlaxcala, siguió luchando contra los aztecas (ahora bajo el mando del emperador Cuauhtémoc), a los que venció en la batalla de Otumba; y, finalmente, cercó y tomó Tenochtitlán (1521). Destruida la capital azteca, construyó en el mismo lugar (una isla en el centro de un lago) la ciudad española de México.

Gobernador de Nueva España.

Dominado ya el antiguo Imperio azteca, Cortés lanzó expediciones hacia el sur para anexionar los territorios de Yucatán, Honduras y Guatemala. Los detalles de la conquista de México, así como los argumentos que justificaban las decisiones de Hernán Cortés, fueron expuestos en las cuatro Cartas de relación que envió al rey. En 1522 fue nombrado gobernador y capitán general de Nueva España, nombre que dieron los conquistadores al territorio mexicano.

Sin embargo, la Corona española (ya en manos de Carlos V) practicó una política de recorte de los poderes de los conquistadores para controlar más directamente las Indias; funcionarios reales aparecieron en México enviados para compartir la autoridad de Cortés, hasta que, en 1528, fue destituido y enviado a la Península.

En España salió absuelto de todas las acusaciones e incluso fue nombrado marqués del Valle de Oaxaca, además de conservar el cargo honorífico de capitán general, aunque sin funciones gubernativas. De vuelta a México en 1530, todavía organizó algunas expediciones de conquista, como las que incorporaron a México la Baja California (1533 y 1539).

Regresó nuevamente a España para intentar obtener mercedes de la Corona por los servicios prestados, para lo cual llegó a participar en una expedición contra Argel en 1541, pero sus reclamaciones nunca obtuvieron plena satisfacción; mientras aguardaba respuesta, se instaló en un pueblo cercano a Sevilla, en donde reunió una tertulia literaria y humanística y pasó los últimos seis años de su vida.

Virgen Maria.

Un joven indígena, aprendiz de algunos de los primeros artistas católicos que pisaron la Nueva España, tuvo la visión de una doncella sobre el Cerro del Tepeyac. Una vez que sucedió, corrió con su maestro, Fray Juan de Zumárraga para contarle sobre lo sucedido: la dama era la Virgen de Guadalupe y le mencionó que deseaba que se edificara una iglesia para honrarla en ese mismo lugar. El hombre de Dios no le creyó, pero la dama no se rindió y tampoco su nuevo cómplice, que no se detuvo hasta complacer a la «Madre de los Mexicanos».

El resto de la historia se ha repetido a lo largo de la cultura mexicana durante casi 500 años y cada vez que los seguidores de la Virgen la escuchan, no pueden evitar reforzar su fe. El relato es fascinante y representa con épica la aparición que definiría las creencias de los habitantes de la Nueva España durante el resto de sus vidas.

Aquellos que no creyeran dicho relato, tendrían que enfrentarse a la prueba principal, el objeto de fe más importante y adorado de toda América: la tilma donde se plasmó la viva imagen de la Virgen, aquel 12 de Diciembre de 1531. Según esta versión, la imagen fue la prueba que convenció a Zumárraga de la aparición relatada por el indio Juan Diego y a pesar de que la ciencia y la historia han demostrado que la figura no apareció de forma sobrenatural, en la actualidad sigue siendo la evidencia más contundente que prueba que la divinidad está para protegernos.

Existen distintos factores que han demostrado que la Virgen no es una creación sobrenatural, tal como lo hemos mencionado en otros artículos, con base a las investigaciones de Joaquín García Icazbalceta, D.A. Brading y Edmundo O’Gorman (entre otros). Sin embargo, la prueba más relevante podría darle otro sentido divino a la historia de la «Morenita del Tepeyac». La imagen no tiene colores divinos, ni fue creada de la nada con una fuerza sobrenatural que se plasmó en la tilma. En realidad, fue creada por un artista con una visión y talento fuera de lo convencional, cuya obra maestra logró convencer a todo un pueblo de que una representación doméstica de la Virgen María los protegía.

Marcos Cipac de Aquino

Fray Francisco de Bustamante, perteneciente a la Orden Franciscana, habló del «indio Marcos» en algunos de los documentos en los que mantenía registro de las actividades clericales en la Nueva España. En sus papeles, el religioso lo señalaba como el autor original de la imagen en la tilma de Juan Diego. De acuerdo con Edmundo O’Gorman, el hombre estaba consciente de que la adoración de la Virgen estaba poniendo en riesgo las ideas católicas tradicionales, especialmente porque se pensaba que concedía milagros y porque en la Biblia se afirma que no se venerará a otros ídolos que no sean el mismo Dios.

Marcos aparece en registros históricos como Marcos Cipac, Marcos Aquino o como Marcos Griego. Una investigación de Ángel Vargas para La Jornada –que profundiza en los documentos que avalan su existencia–, resalta el hecho de que el hombre apareció mencionado en un texto de Bernal Díaz de Castillo en el que narraba la historia de la Nueva España. El cronista lo llamó uno de los pintores más relevantes de la época y su trabajo puede encontrarse en distintos murales de diferentes conventos franciscanos en Puebla.

Biombo de la conquista de México.

 

El Biombo de la Conquista de México es una pintura que describe por un lado varias escenas de la conquista y por el otro lado, expone de una forma extraordinaria una ciudad novohispana llena de vida.

El biombo tiene un pasado desconocido.

El Byōbu o biombo es una pantalla de protección contra el viento, ya que básicamente ese era su propósito original, evitar que el viento que se colaba a una habitación; a través de un conjunto de pantallas usado para separar interiores, y espacios privados de un recinto más amplio.

A pesar de que estas magníficas piezas son originarios de China; de hecho, los primeros biombos encontrados están datados del periodo de la dinastía Han, en Japón los artesanos comenzaron a construirlos de formas increíbles, hay algunos biombos que son novohispanos y son piezas artesanales únicasy de gran contenido histórico.

Se sabe poco sobre el origen de los biombos mexicanos, sobre sus autores y los posibles centros donde se producían; hay mucha evidencia de que los artesanos se inspiraron en oriente para traer biombos a la Nueva España, y existen varias teorías sobre su origen. Una de las posibles explicacioes es que artesanos asiáticos llegaron a la Nueva España en alguno de los galeones de Manila, o con alguna de las dos misiones diplomáticas de japoneses que atravesaron el virreinato a inicios del siglo XVII; donde posiblemente entre los japoneses y chinos que se quedarían en América, había artesanos realizando muebles y biombos, inicialmente sobre madera y después sobre lienzo.

Hay quien afirma que el estilo y la técnica utilizados en el biombo, hace visible que fueron hechos por japoneses o bien que los primeros artesanos en hacerlos en México fueron de origen japonés. Aunque tampoco es posible excluir la intervención de filipinos cristianizados e hispanizados en el virreinato, y hasta se podría pensar en la labor de artistas novohispanos culturalmente mestizos que hicieron los biombos.

No se puede asegurar nada sobre el origen de los biombos mexicanos, pero estos tuvieron una gran variedad en función del material con el que se elaboraron, existiendo de madera pintada y laqueada, de lienzo pintado al óleo, de piel, de tela, o de pinturas con incrustaciones de madreperla. Muchas cuestiones quedan abiertas en relación al origen y desarrollo de la manufactura mexicana de biombos en Nueva España.

Los biombos mexicanos más antiguos son de la década de 1630, haciendo de la Nueva España pionera en la reinterpretación de este mueble, tanto en los materiales utilizados como en los temas escogidos para su decoración, y formaron parte de un grupo de manufacturas locales de tejidos, cerámicas, enconchados, bateas, muebles…

El biombo que se encuentra en el Museo Franz Mayer en la Ciudad de México, es una pintura hermosa que describe la vibrante vida de una ciudad novohispana luego de la llegada de los españoles, se llama Biombo de la Conquista de México(1690). Por uno de sus frentes muestra escenas de la conquista, aunque en su reverso una panorámica de la Ciudad de México.

Este biombo es el reflejo de los objetos que estuvieron presentes en los espacios novohispanos privados, que igual que en la actualidad, estaban destinados a hacer más agradable la estancia en los hogares. En la Nueva España los biombos hicieron acogedor el espacio de las grandes habitaciones que conformaban los palacios virreinales como lo es el fascinante Biombo de la Conquista de México.

Arte Paleocristiano.

Conjunto de manifestaciones figurativas y simbólicas realizadas en el Imperio Romano desde el siglo II d.C., hasta la llegada, en el 476, de las hordas bárbaras. Comprende dos etapas: la primera, primitiva, de clandestinidad y escaso desarrollo artístico, que se extiende hasta el edicto de Milán (313), fecha en la que el Estado reconoce la legalidad de la religión cristiana, y una segunda, de desarrollo o paleocristiana, entre los siglos IV y VI.

Nace fuera de la ley y como instrumento colaborador para mantener y transmitir la fe; es un arte impregnado de romanidad que acentúa el mundo de lo espiritual, tratando de reflejar en la plástica el Más Allá y la igualdad de todos ante Dios.

Hasta el año 313, sus manifestaciones fundamentales radican en las pequeñas construcciones y en los símbolos, quedando todo encerrado en el mundo de las catacumbas y en los “tituli” o casas patricias que sirven de lugar de reunión a los primeros cristianos. Entre las catacumbas más antiguas de Roma están las de Domitila y las de Priscila. En la segunda etapa del Paleocristiano, nace la arquitectura cristiana, levantándose como monumentos fundamentales las basílicas, los baptisterios, destacando el de San Juan de Letrán, y los mausoleos. Su pintura se caracteriza por intentar visualizar conceptos que transmitieran su contenido con facilidad a los creyentes, por lo que sólo el iniciado puede interpretarla. Desde ahora se presta más atención a los significados, iconología, que a las imágenes en sí, iconografía, por lo que se incorporan figuras clásicas expresando contenidos totalmente nuevos. En escultura, destacan por su producción de relieves para sarcófagos, encontrados por todo el Imperio, y por los marfiles de finísima labra. Tanto en pintura como en escultura, se repiten constantemente temas emblemáticos como el pez, la espiga, el racimo o la vid, y el delfín, mientras que los anagramas más difundidos son el Crismón o la interposición de las dos primeras letras griegas de Cristo; el JHS o tres primeras letras de Jesús en griego, y la Cruz.

El arte paleocristiano en España
En España el desarrollo arquitectónico del paleocristiano se da durante los siglos V y VI, destacando las basílicas de San Pedro de Alcántara (Málaga) y la de Segóbrida en Cabeza de Griego (Cuenca). La escultura es en gran parte funeraria, y consiste fundamentalmente en sarcófagos esculpidos con representaciones de los primeros milagros de Cristo y escenas del Antiguo Testamento. De gran tradición son los mosaicos paleocristianos, que decoran los sepulcros o los pavimentos de las basílicas. Aunque su origen está en África, Tarragona se convierte en el principal taller musivario español, siendo constante en su labor los motivos geométricos o florales.

Diego Velázquez.

Maestro sin par del arte pictórico, el sevillano Diego Velázquez adornó su carácter con una discreción, reserva y serenidad tal que, si bien mucho se puede decir y se ha dicho sobre su obra, poco se sabe y probablemente nunca se sabrá más sobre su psicología. Joven disciplinado y concienzudo, no debieron de gustarle demasiado las bofetadas con que salpimentaba sus enseñanzas el maestro pintor Herrera el Viejo, con quien al parecer pasó una breve temporada, antes de adscribirse, a los doce años, al taller de ese modesto pintor y excelente persona que fuera Francisco Pacheco. De él provienen las primeras noticias, al tiempo que los primeros encomios, del que sería el mayor pintor barroco español y, sin duda, uno de los más grandes artistas del mundo en cualquier edad.

La mirada melancólica

Diego Velázquez fue hijo primogénito de un hidalgo no demasiado rico perteneciente a una familia oriunda de Portugal, tal vez de Oporto, aunque ya nacido en Sevilla, llamado Juan Rodríguez, y de Jerónima Velázquez, también mujer de abolengo pero escasa de patrimonio. En el día de su bautismo, Juan echó las campanas al vuelo (previo pago de una módica suma al sacristán), convidó luego a los allegados a clarete y a tortas de San Juan de Alfarache y entretuvo a la chiquillería vitoreante con monedas de poco monto que arrojó por la ventana. No le había de defraudar este dispendio y estos festejos el vástago recién llegado, que se mostró dócil a los deseos paternos durante su infancia e ingresó en el taller de Francisco Pacheco sin rechistar.

El muchacho dio pruebas precocísimas de su maña como dibujante, y aprendía tan vertiginosamente el sutil arte de los colores que el bueno de Pacheco no osó torcer su genio y lo condujo con suavidad por donde la inspiración del joven lo llevaba. Entre maestro y discípulo se estrechó desde entonces una firme amistad basada en la admiración y en el razonable orgullo de Pacheco y en la gratitud del despierto muchacho. Estos lazos terminaron de anudarse cuando el viejo pintor se determinó a otorgar la mano de su hija Juana a su aventajado alumno de diecinueve años.

Sobre las razones que le decidieron a favorecer este matrimonio escribe Pacheco: «Después de cinco años de educación y enseñanza le casé con mi hija, movido por su virtud, limpieza, y buenas partes, y de las esperanzas de su natural y grande ingenio. Y porque es mayor la honra de maestro que la de suegro, ha sido justo estorbar el atrevimiento de alguno que se quiere atribuir esta gloria, quitándome la corona de mis postreros años. No tengo por mengua aventajarse el maestro al discípulo, ni perdió Leonardo de Vinci por tener a Rafael por discípulo, ni Jorge de Castelfranco a Tiziano, ni Platón a Aristóteles, pues no le quitó el nombre de divino.»

A la conquista de la corte

Pronto se le hizo pequeña Sevilla a Velázquez e intentó ganar una colocación en la corte, donde se había instalado recientemente Felipe IV, rey de pocas luces diplomáticas aunque muy aficionado a las artes y que con el tiempo llegaría a sentir por el pintor una gran devoción y hasta una rara necesidad de su compañía. En su primer viaje a Madrid no tuvo suerte, pues tenía menester de muchas recomendaciones para acceder a palacio y se volvió a su tierra natal sin haber cosechado el menor éxito. Hubiera sido una verdadera lástima que su protector y suegro no le hubiese encarecido y animado a intentarlo de nuevo al año siguiente, porque de otro modo el prometedor Diego hubiera quedado confinado en un ambiente excesivamente provinciano, ajeno a los nuevos aires que circulaban por los ambientes cosmopolitas de las cortes de Europa.

En Sevilla, durante lo que se ha dado en llamar, con artificio erudito de historiador, su primera época (aunque la obra de Velázquez es el resultado de una búsqueda incesante), su estilo sigue al de los manieristas y los estudiosos del arte veneciano, como Juan de Roelas, pero adoptando los claroscuros impresionantes de Caravaggio, si bien esta última influencia ha sido discutida. No obstante, Velázquez se decantará pronto por un realismo barroco, audaz y estremecido, grave y lleno de contrastes, seguido igualmente por Francisco de Zurbarán o Alonso Cano.

Dicho realismo, en su vertiente más popular, había sido frecuentado por la literatura de la época, y ese mismo aire de novela picaresca aparece en los Almuerzos que guardan los museos de Leningrado y Budapest, así como en Tres músicos, donde, sin embargo, desaparece el humor para concentrarse el tema en la descripción de la maltrecha dignidad de sus protagonistas. Más curioso es aún cómo, también por aquella época, utiliza los encargos de asuntos religiosos para arrimar el ascua a su sardina y, dejando en un fondo remoto el episodio que da título al cuadro, pasan a un primer plano de la representación rudos personajes del pueblo y minuciosos bodegones donde se acumulan los objetos de la pobre vida cotidiana. Es el caso de Cristo en casa de Marta y María, cuadro en el que adquiere plena relevancia la cocina y sus habitantes, el pescado, las vasijas, los elementos más humildes.

El Museo del Prado guarda igualmente pinturas del período sevillano, como el espléndido lienzo La adoración de los Reyes Magos, fechado en 1619 (poco después de su matrimonio y de que Juana le diese descendencia), y donde se ha querido ver, sobre todo en los rasgos infantiles del Niño Jesús, un homenaje a su familia y un hálito de la felicidad del flamante padre. Es seguro, por lo demás, que los Reyes Magos son auténticos retratos, no idealizaciones más o menos convencionales, y en ello se revela también la verdadera vocación de quien sería el más grande retratista de su tiempo.

En su segunda intentona en Madrid, ya convenientemente pertrechado de avales, recibió Velázquez las mercedes y favores del conde-duque de Olivares, quien le consiguió su gran oportunidad al recomendarle para que hiciera un retrato del nuevo monarca. Felipe IV quedó tan complacido por esta obra que inmediatamente lo nombró pintor de la corte, obligando a Velázquez a trasladar su residencia a la capital y a vivir en el Palacio Real. En sus primeros años madrileños, el artista fue sustituyendo sus característicos tonos terrosos por una insólita gama de grises que con el tiempo sería su recurso más admirable y un vivo exponente de su genio sutil.

La impresión del paisaje

Hacia 1629 pinta Velázquez su primer gran cuadro de tema mitológico, llamado Los borrachos porque el asunto dedicado a Baco se convierte en sus manos en una estampa de las francachelas populares de la época; al año siguiente llega a Madrid Rubens, con quien mantuvo una buena y leal amistad; Rubens le recomienda que no deje de visitar Italia, donde su arte podrá depurarse y ennoblecerse. Empeñado desde entonces en ello, consigue, tras mucho insistir, licencia del rey y, saliendo del puerto de Barcelona, desembarca en Génova en 1629. Visita Verona, Ferrara, Loreto, Bolonia, Nápoles y Roma, sin apenas pintar nada, pero estudiándolo todo, memorizando gamas de colores, audaces composiciones, raras atmósferas, luces insólitas.

Probablemente entonces, aunque hay quien sostiene que fue en su segundo viaje a Roma, pinta las maravillosas Vistas del jardín de la Villa Médicis en Roma. En estos deliciosos parajes vivió el español gracias a la recomendación de su embajador y allí, al aire libre, tomó sus apuntes geniales. Son, en realidad, paisajes románticos, melancólicos, intemporales, casi impresionistas por su libertad de trazo, pese a ser en más de dos siglos anteriores a los cuadros de ese estilo, y quizás aún más perfectos en la captura del instante luminoso huidizo, del aire limpio y quieto apresado por la tupida vegetación y la escenográfica arquitectura. Y lo más asombroso es que estas imágenes que hoy conserva el Museo del Prado, inolvidables cuando se han visto una sola vez, fueron pintadas como al desgaire, como ejercicio ocioso y gratuito, sobre pequeños lienzos que no alcanzan el medio metro de alto y poco menos de ancho, pero que resumen, con impecable evidencia, la suprema sabiduría alcanzada en aquellos años por Velázquez.

Bien es cierto que, a su regreso a España, realizó obras de mayor envergadura y empaque, como La rendición de Breda, también conocida por Las lanzas, pero en esta pintura de compromiso, terminada en 1635 para el Salón de los Reinos en el recién inaugurado Palacio del Buen Retiro, también conmueve más lo anecdótico que la pomposa rememoración del pasado triunfo de un predecesor de Felipe IV.

Primera Imprenta en Mexico.

En un principio, la imprenta en México fue utilizada con fines eclesiásticos y de evangelización, y fue casi 100 años después de su invención que llegó a nuestro continente.

Para conocer la historia y los antecedentes de la imprenta en México, primero debemos ubicarnos en Alemania, a mediados del siglo XV, donde un inventor llamado, Johann Gutenberg  logró construir un aparato que mezclaba diversas ideas técnicas antiguas como la xilografía (grabado en madera) y la utilización de tipos móviles de metal.
Hasta ese entonces, todas las copias de los libros se hacían de manera manual, en un proceso muy lento y laborioso.

Para el año 1455, Gutenberg logró imprimir su  primer libro, el cual es conocido como “La biblia de Gutenberg”,  y no es más que la versión en latín de las “Escrituras de san Jerónimo”. Para la impresión de esta obra, fue necesario fundir casi cinco millones de tipos, editándose 120 ejemplares en papel y 20 en pergamino.
En el periodo comprendido entre 1450 y 1500 se imprimieron más de 6.000 obras diferentes. El número de imprentas aumentó rápidamente; en Italia, por ejemplo, la primera imprenta se fundó en Venecia en 1469, y para el año 1500 la ciudad contaba ya con 417 talleres.

La imprenta en México, llegó gracias a Fray Juan de Zumárraga y el Virrey Antonio de Mendoza, quienes se encargaron de la gestión y los trámites correspondientes para poder traerla a la entonces Nueva España, concediéndole a Juan Cromberger (impresor alemán) el privilegio exclusivo de tener imprenta en México.
Cromberger, sin embargo, nunca viaja al nuevo mundo, y le confió la imprenta en México a Juan Pablos, un impresor italiano;  en 1539 ambos firman un contrato por 10 años, en el que se estipula que Juan Pablos obtendrá la 1/5 parte de las ganancias.

Al llegar Juan Pablos a México, funda en la calle de Moneda la “Casa Cromberger”, surgiendo así en 1539, la primera imprenta en México y Latinoamérica.

La imprenta en México tenía muchas restricciones, cada editor debía solicitar la autorización del Obispo Fray Juan de Zumárraga y el Virrey Antonio de Mendoza. En ese entonces, la mayoría de los libros que se permitía imprimir eran de índole religioso.

A pesar de todo, la imprenta en México era de buena calidad; los primeros libros impresos usaban un papel de excelentes características, tenían marca de agua y la letra era tipo gótico o semigótico. Ya para los años 1554 a 1589 la tipografía alternaba con tipos romanos y cursivas.

El primer libro hecho por la imprenta en México es “Breve y más compendiosa doctrina cristiana”, impreso en 1539, mismo año en el que se abrió el taller.

En 1548, Juan Pablos atravesó una fuerte crisis económica, y la única solución que encontró fue publicar una obra que llamó “Ordenanzas y compilación de leyes”, la cual fue el primer libro de la imprenta en México, que no era de carácter religioso.

La imprenta en México trabajaba con papel importado, pero en 1575, Juan Cornejo y Hernán Sanchez de Muñón, fundaron la primera fábrica de papiro en el país.

La imprenta sirvió a eclesiásticos con la evangelización de los indios y fue esencial en la impresión de trabajos burocráticos de la colonia española. Formó parte esencial del proceso y evolución de la cultura en nuestro país.
Actualmente, la imprenta en México, sigue siendo importante. La difusión de ideas e información es una constante necesidad en la sociedad. Tanto así, que no sólo sirve con fines informativos, si no que en el ámbito comercial es parte indispensable de cualquier campaña publicitaria.

Impresiones de Vanguardia es una imprenta en México que tiene para ti soluciones en la impresión de diversos materiales, desde folletos hasta revistas; te ayudamos en el diseño de tus dípticos y trípticos. Ofrecemos calidad en el servicio, garantizando así desde la calidad del material hasta la atención de nuestro personal.

Caravaggio.

(Michelangelo Merisi; Caravaggio, actual Italia, 1571 – Porto Ercole, id., 1610) Pintor italiano. Principal figura de la pintura italiana de su tiempo, aprendió el arte pictórico de un maestro de segunda fila, Simone Peterzano, y sobre todo a partir del estudio de las obras de algunos artistas venecianos.

De 1592 a 1606 trabajó en Roma, donde no tardó en destacar no sólo por su original enfoque de la obra pictórica, sino también por su vida irregular, en la que se sucedían lances, peleas y episodios reveladores de su carácter tempestuoso y su falta de escrúpulos.

De Caravaggio se ha dicho que fue un revolucionario tanto por su vida turbulenta como por su pintura, en la que planteó una oposición consciente al Renacimiento y al manierismo, aunque no por ello debe dejar de notarse la influencia de maestros renacentistas como Miguel Ángel Buonarroti o Giorgione en la formación de su estilo. Caravaggio siempre buscó, ante todo, la intensidad efectista a través de vehementes contrastes de claroscuro que esculpen las figuras y los objetos, y por medio de una presencia física de vigor incomparable.

Al evitar cualquier vestigio de idealización y hacer del realismo su bandera, Caravaggio pretendió ante todo que ninguna de sus obras dejara indiferente al espectador. Desde el principio de su estancia romana rechazó la característica belleza ideal del Renacimiento, basada en normas estrictas, y eligió el camino de la verdad y el realismo, realizando sus obras mediante copias directas del natural, sin ningún tipo de preparación previa.

Sus primeras creaciones son fundamentalmente pinturas de género que combinan la figura humana con escenas de bodegón y naturaleza muerta. Constituye un ejemplo emblemático de esta primera etapa creativa El tañedor de laúd, donde un joven de belleza feminoide y sensual comparte protagonismo con frutas, flores y una serie de objetos relacionados con la música. En estas primeras obras resulta ya evidente el empleo estético de Caravaggio de los juegos de luces y sombras, si bien el claroscuro sólo sirve aquí como creador de volúmenes y de profundidad, sin añadir a la acción efectos de dramatismo, como sería habitual en las creaciones posteriores del artista.

La cena de Emaús, una de sus obras maestras, caracterizada por suntuosos tonos oscuros, sombras envolventes y haces de luz clara que inciden en puntos determinados, señala el comienzo del período de madurez del artista, quien se decanta abiertamente por la temática religiosa y trabaja por encargo de los grandes comitentes de la época. Algunas de sus obras son rechazadas por el naturalismo con que aborda los pasajes bíblicos, pero no faltan los mecenas laicos dispuestos a adquirir de buen grado aquellos cuadros que el clero no ve con buenos ojos.

A esta época corresponden las dos grandes realizaciones del artista: los retablos de la capilla Contarelli de San Luigi dei Francesi y de la capilla Ceresi de Santa Maria del Popolo, con La vocación de San Mateo y El martirio de San Mateo el primero, y La crucifixión de San Pedro y La conversión de San Pablo el segundo. Son obras, todas ellas, dominadas por una intensa acción dramática, muy estudiadas desde el punto de vista compositivo y en las que se obtienen resultados espléndidos con una gran economía de medios.

En 1606, Caravaggio mató a un hombre en una reyerta y se vio obligado a huir de Roma, adonde, muy a su pesar, nunca pudo volver. Murió cuatro años después en una playa solitaria, aquejado de malaria. En esta última época había pintado algunas obras en las que su dramatismo característico dejaba paso a una gran serenidad. Aunque no dejó discípulos directos, su obra inspiró el naturalismo de José de Ribera y Georges de la Tour, entre otros, y, ya en siglo XIX, atrajo la atención de pintores como Gustave Courbet, Édouard Manet y Paul Cézanne; actualmente se le considera una de las figuras clave en el desarrollo histórico de la pintura europea.

Rembrandt.

(Rembrandt Harmenszoon van Rijn; Leiden, Países Bajos, 1606 – Amsterdam, 1669) Pintor holandés. Nacido en el seno de una acomodada familia de molineros, Rembrandt van Rijn recibió una esmerada educación y llegó a ingresar en la Universidad de Leiden, donde estudió un curso, ya que por entonces decidió dedicarse a la pintura. De los dos maestros que tuvo, uno en Leiden y otro en Amsterdam, fue este último el que más influyó en el artista y el que le transmitió las tendencias italianizantes en boga. De hecho, sus primeras creaciones (como la Lapidación de san Esteban) manifiestan una evidente influencia del estilo de Pieter Lastman.

En 1625, considerándose ya formado, abrió taller en Leiden junto con Jan Lievens (quien después siguió una trayectoria muy distinta), y no tardó en contar con una amplia clientela. Durante los años de Leiden, el arte de Rembrandt evolucionó desde unos inicios de colores brillantes y gestos grandilocuentes hacia una creciente afirmación del claroscuro. El sabio empleo que hizo el artista de esta nota tan típica del Barroco es lo que confiere a su obra una fuerza y una personalidad indiscutibles. Ya en época temprana, hacia 1630, el claroscuro se convierte en el más poderoso medio de expresión del pintor, tal como evidencian obras como Sansón traicionado por Dalila y La presentación de Jesús en el templo.

En 1630, a raíz de la muerte de su padre, se trasladó a Amsterdam, donde se asoció con el marchante Hendrick van Uylenburgh, con cuya hija, Saskia, se casó. Comenzó entonces para él una etapa de prosperidad económica y de vida mundana, que se truncó repentinamente en 1642, año de la muerte de su esposa. Los reveses económicos se sucedieron, hasta que en 1656 se vio obligado a subastar todas sus pertenencias (casa, colecciones de arte, etc.). El consuelo le llegó de la mano de Hendrickje Stoffels, que entró a su servicio para hacerse cargo de su hijo Tito y con quien mantuvo una relación sentimental, sin llegar a casarse con ella para no perder la herencia de Saskia.

Las dos etapas, próspera y adversa, de la vida de Rembrandt van Rijn se reflejan en sus obras, particularmente en los autorretratos, un género que el artista cultivó a lo largo de toda su carrera; mientras que los primeros son alegres, brillantes y un tanto superficiales, los de los últimos años tienen un carácter sombrío, sereno, y reflejan una profundidad muy superior. De los numerosos géneros que cultivó, el religioso y el retrato fueron los dos en que más brilló su talento de maestro del Barroco.

A Rembrandt se le recuerda, de hecho, sobre todo por sus magistrales retratos de grupo, absolutamente alejados de los convencionalismos al uso. La maestría compositiva, la perfecta caracterización de los personajes, el detallado estudio de los ademanes, la agudeza de los rostros, hacen de sus tres grandes creaciones de este género (La lección de anatomía del doctor Tulp, La ronda de noche y Los síndicos del gremio de pañeros) unas obras llenas de vida y de genio.

En las creaciones de los últimos años (El hombre del yelmo de oro, Jacob bendice a los hijos de José o La novia judía), el pintor eleva todas sus conquistas al plano de la madurez, del estilo conseguido a base de años y de esfuerzo, y manifiesta un absoluto dominio de las técnicas y de los efectos.

Rembrandt fue también un gran dibujante y un grabador genial, que dejó cerca de 1.500 dibujos y alrededor de 400 grabados. Tanto los dibujos como los aguafuertes son obras plenamente barrocas, dominadas por la acción, el dramatismo y un realismo derivado de la observación del mundo circundante muy característico del arte de Flandes y de los Países Bajos. En todo ello se asemejan a las pinturas del artista, de las cuales se diferencian en la mayor importancia que en dibujos y grabados tiene la línea sobre el claroscuro.

SIGLO XIX.

Se denomina modernismo a una amplia corriente artística y literaria que buscaba la renovación creativa a finales del siglo XIX y principios del XX.

Internacionalmente, el modernismo es conocido como art nouveau, su denominación francesa, sin embargo, el estilo se caracteriza por su diversidad nacional y en España el modernismo tuvo ciertas particularidades de gran importancia que se reducen a su desarollo en Cataluña. Se caracteriza por su rechazo al historicismo académico de finales del siglo XIX, así como por su voluntad de llevar el arte a todas las facetas de la vida. Sienten especial predilección por la línea y sus valores expresivos, a lo que añaden cierta tendencia a la abstracción.

El estilo modernista fue sobre todo decorativo y sus manifestaciones más características tuvieron lugar en el campo de las artes aplicadas: cerámica, vidrio, yoyería, grabado y acrtel. Existió una amplia proliferación de arquitectos que, a la vez que mostraron su preferencia por los aspectos ornamentales del estilo, realizaron importantes aportaciones en el terreno estructural: columnas o vigas quedan a la vista y forman parte del sistema decorativo.

Destaca el modelado plástico y sinuoso de las superficies murales : el edificio se concibe como un ser vivo, susceptible de crecimiento, en oposición al racionalismo, del mismo modo que en las artes decorativas predominan las líneas curvas, los arabescos, la decoración floral, los temas marinos, los cabellos femeninos indulados…

El modernismo catalán tiene un profundo arraigo social y una larga duración, y es punto de referencia en la lucha por la definición cultural y política nacional. En pintura, destacan Ramón Casas y Santiago Rusiñol, que superan las corrientes realistas en pintura y ofrecen una síntesis de los grandes maestros de la escuela impresionista y postimpresionista, defendiendo una línea de modernidad muy prestigiada por artistas como Whistler o Sargent. Aportan la voluntad de pintar la vida circundante, el no preseleccionar el tema, así como el realizar encuadramientos insólitos y la estructuración de la obra en dos zonas de diferente iluminación, al igual que el gusto por los tonos grises y azules, propios de la escuela de París. La escultura modernista está muy ligada a las artes aplicadas; su estilo es idealizado, decorativo y sentimental, con abundancia de formas sinuosas y ligeras. Entre sus fuentes de inspiración, se encuentra la estampa japonesa, el simbolismo francés y la obra de Rodin y Meunier. En el ámbito arquitectónico se distinguen dos vías: una sigue la estela de Gaudí, creativa y expresionista y la otra está marcada por la personalidad de Domenech i Montaner, caracterizada por su racionalidad constructiva. En el desarrollo del movimiento juegan un papel esencial las exposiciones así como la revista L’Avenç, que se convierte en vehículo de definición del movimiento.

ROMANTICISMO.

Romanticismo. Es un movimiento cultural y político originado en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, dándole importancia al sentimiento.

Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable. Debido a que el romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al hombre mismo es que se presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla; incluso dentro de una misma nación se desarrollan distintas tendencias proyectándose también en todas las artes.

Se desarrolló fundamentalmente en la primera mitad del siglo XIX, extendiéndose desde Inglaterraa Alemania. Después a Francia, Italia, Argentina, España, México, etc.

Su vertiente literaria se fragmentaría posteriormente en diversas corrientes, como el Parnasianismo, el Simbolismo, el Decadentismo o el Prerrafaelismo, reunidas en la denominación general de Postromanticismo, una derivación del cual fue el llamado Modernismo hispanoamericano.

Tuvo fundamentales aportes en los campos de la literatura, el arte y la música. Posteriormente, una de las corrientes vanguardistas del siglo XX, el Surrealismo, llevó al extremo los postulados románticos de la exaltación del yo.

REALISMO.

El Realismo es una tendencia artística europea que se enmarca, aproximadamente, en la segunda mitad del siglo XIX y que aspira a reflejar la realidad cotidiana de modo objetivo.

La burguesía revolucionaria,, que impulsó el movimiento romántico se convierte, en la clase social dominadora, y tiende hacia postulados más conservadores, imponiendo una nueva visión de la vida y del ser humano.

El realismo surge después de la revolución francesa de 1848. El desencanto por los fracasos revolucionarios, hace que el arte abandone los temas políticos y se concentre en temas sociales.

Así mismo, el Realismo es un estilo que refleja la realidad histórica y que no copia objetos mitológicos, religiosos o alegóricos.

Su fidelidad al detalle lo diferencia de la glorificación idealizadora romántica, y su concentración en los rasgos esenciales y típicos de los carácteres, situaciones y acciones, lo distingue del reflejo de la realidad en sentido naturalista o fotográfico.

Estos pintores han demostrado que se pueden crear arte mirando lo mismo de distintas maneras, en lugar de buscar un paisaje u objeto diferente cada vez. De esta manera respondían a la polémica social del momento: Se puede crear un orden para todos por igual, pidiendo a cada grupo social su colaboración, en lugar de que el poder pase de un grupo político a otro.

• Tarea 5. Poema de Ramon Lopez Velardo, Suave Patria. 

PROEMIO

Yo que sólo canté de la exquisita
partitura del íntimo decoro,
alzo hoy la voz a la mitad del foro
a la manera del tenor que imita
la gutural modulación del bajo
para cortar a la epopeya un gajo.

Navegaré por las olas civiles
con remos que no pesan, porque van
como los brazos del correo chuan
que remaba la Mancha con fusiles.

Diré con una épica sordina:
la Patria es impecable y diamantina.

Suave Patria: permite que te envuelva
en la más honda música de selva
con que me modelaste por entero
al golpe cadencioso de las hachas,
entre risas y gritos de muchachas
y pájaros de oficio carpintero.

PRIMER ACTO

Patria: tu superficie es el maíz,
tus minas el palacio del Rey de Oros,
y tu cielo, las garzas en desliz
y el relámpago verde de los loros.

El Niño Dios te escrituró un establo
y los veneros del petróleo el diablo.

Sobre tu Capital, cada hora vuela
ojerosa y pintada, en carretela;
y en tu provincia, del reloj en vela
que rondan los palomos colipavos,
las campanadas caen como centavos.

Patria: tu mutilado territorio
se viste de percal y de abalorio.

Suave Patria: tu casa todavía
es tan grande, que el tren va por la vía
como aguinaldo de juguetería.

Y en el barullo de las estaciones,
con tu mirada de mestiza, pones
la inmensidad sobre los corazones.

¿Quién, en la noche que asusta a la rana,
no miró, antes de saber del vicio,
del brazo de su novia, la galana
pólvora de los juegos de artificio?

Suave Patria: en tu tórrido festín
luces policromías de delfín,
y con tu pelo rubio se desposa
el alma, equilibrista chuparrosa,
y a tus dos trenzas de tabaco sabe
ofrendar aguamiel toda mi briosa
raza de bailadores de jarabe.

Tu barro suena a plata, y en tu puño
su sonora miseria es alcancía;
y por las madrugadas del terruño,
en calles como espejos se vacía
el santo olor de la panadería.

Cuando nacemos, nos regalas notas,
después, un paraíso de compotas,
y luego te regalas toda entera
suave Patria, alacena y pajarera.

Al triste y al feliz dices que sí,
que en tu lengua de amor prueben de ti
la picadura del ajonjolí.

¡Y tu cielo nupcial, que cuando truena
de deleites frenéticos nos llena!

Trueno de nuestras nubes, que nos baña
de locura, enloquece a la montaña,
requiebra a la mujer, sana al lunático,
incorpora a los muertos, pide el Viático,
y al fin derrumba las madererías
de Dios, sobre las tierras labrantías.

Trueno del temporal: oigo en tus quejas
crujir los esqueletos en parejas,
oigo lo que se fue, lo que aún no toco
y la hora actual con su vientre de coco.
Y oigo en el brinco de tu ida y venida,
oh trueno, la ruleta de mi vida.

INTERMEDIO

(Cuauhtémoc)

Joven abuelo: escúchame loarte,
único héroe a la altura del arte.

Anacrónicamente, absurdamente,
a tu nopal inclínase el rosal;
al idioma del blanco, tú lo imantas
y es surtidor de católica fuente
que de responsos llena el victorial
zócalo de cenizas de tus plantas.

No como a César el rubor patricio
te cubre el rostro en medio del suplicio;
tu cabeza desnuda se nos queda,
hemisféricamente de moneda.

Moneda espiritual en que se fragua
todo lo que sufriste: la piragua
prisionera , al azoro de tus crías,
el sollozar de tus mitologías,
la Malinche, los ídolos a nado,
y por encima, haberte desatado
del pecho curvo de la emperatriz
como del pecho de una codorniz.

SEGUNDO ACTO

Suave Patria: tú vales por el río
de las virtudes de tu mujerío.
Tus hijas atraviesan como hadas,
o destilando un invisible alcohol,
vestidas con las redes de tu sol,
cruzan como botellas alambradas.

Suave Patria: te amo no cual mito,
sino por tu verdad de pan bendito;
como a niña que asoma por la reja
con la blusa corrida hasta la oreja
y la falda bajada hasta el huesito.

Inaccesible al deshonor, floreces;
creeré en ti, mientras una mejicana
en su tápalo lleve los dobleces
de la tienda, a las seis de la mañana,
y al estrenar su lujo, quede lleno
el país, del aroma del estreno.

Como la sota moza, Patria mía,
en piso de metal, vives al día,
de milagros, como la lotería.

Tu imagen, el Palacio Nacional,
con tu misma grandeza y con tu igual
estatura de niño y de dedal.

Te dará, frente al hambre y al obús,
un higo San Felipe de Jesús.

Suave Patria, vendedora de chía:
quiero raptarte en la cuaresma opaca,
sobre un garañón, y con matraca,
y entre los tiros de la policía.

Tus entrañas no niegan un asilo
para el ave que el párvulo sepulta
en una caja de carretes de hilo,
y nuestra juventud, llorando, oculta
dentro de ti el cadáver hecho poma
de aves que hablan nuestro mismo idioma.

Si me ahogo en tus julios, a mí baja
desde el vergel de tu peinado denso
frescura de rebozo y de tinaja,
y si tirito, dejas que me arrope
en tu respiración azul de incienso
y en tus carnosos labios de rompope.

Por tu balcón de palmas bendecidas
el Domingo de Ramos, yo desfilo
lleno de sombra, porque tú trepidas.

Quieren morir tu ánima y tu estilo,
cual muriéndose van las cantadoras
que en las ferias, con el bravío pecho
empitonando la camisa, han hecho
la lujuria y el ritmo de las horas.

Patria, te doy de tu dicha la clave:
sé siempre igual, fiel a tu espejo diario;
cincuenta veces es igual el AVE
taladrada en el hilo del rosario,
y es más feliz que tú, Patria suave.

Sé igual y fiel; pupilas de abandono;
sedienta voz, la trigarante faja
en tus pechugas al vapor; y un trono
a la intemperie, cual una sonaja:
la carretera alegórica de paja.

SIGLO XX.

VANGUARDISMO.

El vanguardismo es un conjunto de corrientes y movimientos artísticos y literarios reactivos que nacieron en una época convulsa como la Primera Guerra Mundial para protestar contra los modelos de la estética impuesta a partir del siglo XIX y contra los desastres producidos por la guerra. El vanguardismo proviene de la palabra vanguardia, que a su vez deriva de la expresión francesa avant-garde, que está compuesta de avant, que viene del latín ab ante, que significa «sin nadie adelante» y de garde que significa guardia.

Composición del vanguardismo:

Cuando hablamos de vanguardismo debemos hablar de varios movimientos que, a su vez se subdivide en dos grandes grupos: el vanguardismo artístico y el literario, que tiene como principal característica a la libertad de expresión y a la innovación.

Los grandes centros del vanguardismo europeo aparecieron en España y Francia. En latinoamérica tuvieron éxito en países como Argentina o México.

¿Qué representó el vanguardismo?

Fue un empuje de los límites que hasta ese momento se aceptaban como norma, especialmente en cuanto al campo de la cultura. La existencia del vanguardismo para muchos, es una característica del modernismo, a diferencia de la posmodernidad.

Muchos artistas se alinearon con el movimiento avant-garde y todavía sigue ocurriendo, lo que traza una historia que recorre el dadaísmo, pasando por los situacionistas hasta artistas posmodernos como los Poetas del Lenguaje a principios de los años 80

No debemos olvidar que el término también trata sobre la promoción de las reformas sociales radicales. Podemos citar a Saint-Simon o Olinde Rodrigues.

Los movimientos artísticos como estos, con ansia renovadora, por lo general dogmáticos, se concitaron especialmente en Europa en las primeras décadas del siglo XX y en América, estando enfrentados al modernismo.

Conviene alabar entre sus principales características a la libertad de expresión, lo que manifestaban a la hora de afrontar la estructura de las obras, tratando temas tabú y desordenando muchos parámetros creativos.

En el terreno de la poesía, por ejemplo, rompían con la métrica y daban importancia a aspectos de menor importancia como la tipografía.

Un movimiento en una época de grandes cambios.

El siglo XX tuvo en sus primeras décadas muchas convulsiones, en lo social, económico (crack del 29) y en las dos Guerras Mundiales que hicieron que el mundo avance mucho, pero que también tuvo un sinfín de desgracias y pérdidas humanas a las que el arte quiso dar respuesta. Los tiempos cambiaban, pero también las formas en las que los artistas querían expresar su arte.

• Tarea 3: Pelicula Van Gogh, La puerta de la Eternidad.

1886, Arlés. El pintor holandés post-impresionista, Vincent van Gogh (Willem Dafoe), huye del bullicio de París y se refugia en un pequeño pueblo de Francia. Allí es tratado amablemente por algunos y brutalmente por otros.

Madame Ginoux (Emmanuelle Seigner), la propietaria del restaurante del pueblo se apiada de su pobreza y le regala un libro de contabilidad, que Vincent llena de dibujos. Pero sus continuos cambios de humor hacen que varios vecinos le tengan miedo. Su mejor amigo Paul Gaugain (Oscar Isaac) le adora, pero acaba huyendo de su lado debido a la abrumadora personalidad de Vincent, y su hermano y comerciante de arte Theo (Rupert Friend) le apoya incondicionalmente, pero no logra vender ni una sola de las pinturas del artista.

En esta tumultuosa época, Vincent pinta las obras maestras espectaculares que son reconocibles en todo el mundo hoy en día.

Convento de San Miguel Arcángel, Ixmiquilpan.

La conquista de México por Hernán Cortés, quedó consumada con la rendición de Tenochtitlán el 13 de agosto de 1521. El trabajo de evangelización en la Nueva España empezó en 1524 cuando arribaron doce franciscanos, en 1526 el mismo número de dominicos y en 1533 siete agustinos. En el estado de Hidalgo empezó cuando los franciscanos llegaron a Tepeapulco en 1527 y los agustinos legan a Atotonilco el Grande y Metztitlán en 1536.

En 1548 llegaron a Ixmiquilpan los agustinos. El 29 de septiembre de 1550, día de San Miguel Arcángel iniciaron la construcción del convento y un poco después del templo que para 1560 ya estaban terminados.  El Fraile Andrés de Mata fue el diseñador y constructor. En mayo de 1572 la Orden celebró en Ixmiquilpan el capítulo en que resultó electo provincial fray Juan Adriano.

El convento y templo estuvo a cargo de la orden Agustina casi 200 años hasta que, por falta de frailes, fue entregado a la Arquidiócesis de México a mediados del siglo xviii.​ En 1754 tuvo su primer clérigo secular. Más tarde, en 1818 fue elevada a Vicaría Foránea bajo la jurisdicción del Obispado de Tulancingo. Después pasó a la Diócesis de Tula, de quien depende hasta la fecha.

A causa del fraccionamiento y adjudicación que se hizo del atrio parroquial, por el año de 1867, y con motivo de la calle que se formó paralelamente a la fachada del templo, hubo necesidad de levantar las bardas, existentes.

Desde 1970 el conjunto era administrado por el Instituto Nacional de Antropología e Historia.​ El 12 de mayo de 2002, según la Comisión Regional para la Preservación del Patrimonio Cultural del valle del Mezquital, un grupo de mayordomos se apoderó por la fuerza de las instalaciones. La Iglesia controlaba una parte del ex convento, por lo que ahora tiene en su poder la totalidad del mismo y, según refiere Víctor Cerecedo Pérez, autoridades parroquiales han expresado su deseo de oficializar su control.

Arquitectura.

El conjunto tiene en su planta arquitectónica varios elementos: Nave localizada del lado izquierdo, la entrada al templo orientada hacia el poniente, capillas adosadas con acceso desde el templo, capilla abierta al lado derecho.​ El Claustro a la derecha con la casa conventual, las accesorias y los servicios. Al frente a la derecha, el Portal de Peregrinos y la portería.

Templo.
La construcción es de mampostería, tezontle y canterade estilo plateresco.​ La portada de la iglesia en su conjunto que soporta un entablamento cuyo friso está decorado con motivos de flora, caballos alados, el escudo de la orden agustín a al centro y dos de San Nicolás Tolentino a los lados; rematan las semicolumnas en candeleros flamígeros sobre la cornisa volada del entablamento. Integra el conjunto la característica ventana propia del estilo, en la parte superior, para dar luz al coro. Esta enmarcada por columnas cuyas bases se apoyan en ménsulas y soportan un piñón denticulado con tres florones en sus vértices, sobre la cornisa de su entablamento.

Para completar la decoración a ambos lados de esta ventana se destacan, sobre la sillería de la fachada, dos escudos con los emblemas de Castilla y Andalucía, provincias que enviaron a los primeros religiosos de la orden, pendientes de lazos que sostienen cabezas de leones; en las enjutas del arco mayor dos escudos del corazón traspasado por tres flechas, timbrados con las armas arzobispales, y pequeños nichos en los intercolumnios.

Convento.
El estilo mudéjar está presente en la volumetría del convento; abunda el uso de torres y almenas.​ El cubo de la escalera está del lado izquierdo del claustro junto al muro del templo.​ En la parte posterior, otra escalera menor que comunica a los servicios y saliendo del cuerpo del edificio los servicios sanitarios. La portería del claustro muestra dos arcos ojivales que se repiten en el claustro bajo, donde hay bóvedas de crucería y restos de pintura mural. La torre del campanario ostenta un remate octogonal en tres pisos, con jarrones y un remate final en cruz sobre una esfera.

Pintura mural.

Pintura mural del Templo.
La pintura mural son objeto de innumerables estudios y opiniones, ya que tienen la particularidad de contener escenas de batallas con personajes indígenas. Lo inexplicable, es que no representan ninguna imagen cristiana o bíblica y que están dentro del templo, siendo completamente paganas. Al interior del templo a en el lado norte se encuentra la primera del muro norte, destaca la figura de un guerrero ocelote en posición de ataque que parece salir de un florón.​ En el extremo izquierdo, un guerrero cuyo traje no se alcanza a apreciar, somete a una mujer semidesnuda de vientre abultado. También hay pinturas de guerreros, águilas y jaguares. En el lado sur se encuentran escenas de distintas batallas, así como guerreros, águilas y jaguares.

Cludio Linati y su Arte.

• Tarea 4. Comparación Claudio Linati con el libro Mexicanos pintados por si mismos. 

Para la segunda mitad del siglo XIX México era un país independiente en desarrollo. A pesar de todos los problemas por los que atravesaba, al ser una joven nación el deseo de ser conocidos y reconocidos más allá de sus fronteras hizo del arte una importante herramienta para darse a conocer al mundo. A la par, la divulgación que artistas viajeros y científicos hicieron de la fauna, la flora, la geografía y la arqueología mexicana, los álbumes de trajes y tipos se convirtieron en una manera de mostrarse en el extranjero.

En 1826 el pintor italiano Claudio Linati estableció el primer taller de litografía en México y con la colaboración de Fiorenzo Galli y el poeta cubano José María Heredia fundó El Iris, un periódico de interés general, que fue el primero ilustrado con litografías del país.

Sin embargo, la estancia de Linati en México fue corta, ya para marzo de 1827 se encontraba de regreso en Europa y aunque El Iris fue un elemento importante para el desarrollo de la litografía en México es una obra que produjo en Bruselas –donde se estableció como autor y litógrafo– la que más influyó en el tema y el imaginario de los tipos mexicanos.

Publicado en fascículos en 1828, Costumes civils, militaires et religieux du Mexique, se convirtió casi de inmediato en el canon que siguieron las ilustraciones de la vida mexicana y contribuyó a la concepción exótica que se tenía de México en el imaginario europeo. El estilo seguía el modelo de publicaciones como las Colecciones de trajes y los llamados Gritos de la ciudad que tenían gran circulación en Europa y cuya finalidad era mostrar una selección de los tipos más interesantes y pintorescos de las ciudades.

Ya en la década de 1830 la litografía había alcanzado su auge en México, se abrieron muchos talleres que impulsaron el trabajo de litógrafos nacionales de calidad y al ser un medio barato aumentaron el número de publicaciones de circulación masiva. Revistas y periódicos como El Gallo Pitagórico, El Mosaico Mexicano, El Almacén Universal, El recreo de la familia, el Diario de los niños, el Semanario de las Señoritas Mexicanas, El Museo Mexicano –por mencionar algunos– gozaron de muy buena recepción y por sus páginas pasaron algunos de los artistas más importantes de la época.

En 1854 se publicó Los mexicanos pintados por sí mismos, conformado por 33 tipos mexicanos, fue el primer y más ambicioso intento de mostrar la sociedad del México independiente. Al hablar de tipos se refiere a personajes que destacaban por sus maneras particulares de ser, de vestir, de hablar o por el trabajo que realizaban. En este caso se seleccionaron varias profesiones y distintas clases sociales que reflejaran la cotidianidad de la sociedad mexicana, aquellas que más representaran lo mexicano, ya fuera por actividad o por su indumentaria.

Realizada en la imprenta de M. Murguía y Compañía, la parte gráfica corrió por parte de Hesiquio Iriarte y Andrés Campillo, mientras que la literaria fue obra entre otros, de Hilarión Frías y Soto, Ignacio Ramírez y José María Rivera. Los 33 tipos elegidos fueron: el Aguador, la Chiera, el Pulquero, el Barbero, el Cochero, el Cómico de la Lengua, la Costurera, el Cajero, el Evangelista, el Sereno, el Alacenero, la China, la Recamarera, el Músico de Cuerda, el Poetastro, el Vendutero, la Coqueta, el Abogado, el Arriero, el Jugador de Ajedrez, el Cajista, la Estanquillera, el Escribiente, el Ranchero, el Maestro de Escuela, la Casera, el Criado, el Mercero, la Partera, el Ministro, el Cargador, el Tocinero y el Ministro Ejecutor. Es importante mencionar que muchos de los tipos no eran exclusivos de México sino que se les eligió para mostrarlos ante sus equivalentes en otros países.

El tratamiento de la imagen es similar al europeo, cada uno de los tipos estaba representado a página entera acompañado por su respectivo texto. Sin embargo a diferencia de aquéllos álbumes, en Los mexicanos pintados por sí mismos se incluyeron en una escala más pequeña figuras que hacían compañía al tipo representado, recreando escenas de la vida diaria y ubicando las vistas en sitios específicos, mostrando así puntos importantes de la ciudad de México del siglo XIX.

 

En 1856 se publicó México y sus alrededores colección de monumentos, trajes y paisajes, un álbum con 42 estampas de la Ciudad de México y sus alrededores. En su mayoría obras de Casimiro Castro incluía vistas aéreas realizadas desde azoteas y globos aerostáticos. Retrataba tanto las fachadas de los principales edificios de la ciudad, como los barrios pobres, las actividades diarias y al igual que Los mexicanos pintados por sí mismos a los tipos de pobladores más llamativos y característicos de la ciudad del siglo XIX.

El detalle permitido por la litografía hizo posible que las estampas hablaran por si solas. Imágenes que circularon dentro y fuera del país y dieron a conocer a México más allá de sus fronteras. Los tipos representados en Los mexicanos pintados por sí mismos y las vistas de México y sus alrededores formaron parte de esa exoticidad que atraía al europeo y al mismo tiempo fueron familiares a los ojos del mexicano. Las estampas como autodefiniciones, imágenes en las que el espectador se identificaba y se sentía reflejado, como pueblo y como sociedad. Una forma de identificación ante la mirada extranjera y de auto identificación consigo mismos.

• LIBRO. Historia Minima de Mexico

Para rastrear el origen de nuestra historia, debemos remontarnos cuarenta mil años atrás, cuando el hombre, aprovechando el congelamiento en el llamado «Puente de Beringia», debido a la última glaciación, comenzó su lento pero constante tránsito desde el Asia oriental hacia América para poblar el continente. Estos hombres y mujeres se establecieron a lo largo y ancho del inmenso territorio americano, y en todo lo que hoy en día es México hubo focos culturales extraordinarios, umbral del México actual y parte fundamental de nuestra identidad. Nuestro pasado prehispánico es tan rico como variado, y «El México antiguo», texto de Pablo Escalante y primer capítulo de la Nueva historia mínima de México, es una excelente puerta de entrada a un universo complejo pero fascinante, en donde cientos de distintas historias narran las andanzas de pueblos remotos que vivieron ya sea en las tierras desérticas del norte, en la más tupida selva del sureste y el Petén guatemalteco.

ART DECO CUIDAD DE MEXICO.

La arquitectura que nació en París en los años 20 del siglo pasado es característica de algunos de los edificios más emblemáticos de la ciudad. Su estética, a veces discreta y a veces imponente, se mantiene entre el paisaje urbano actual.

Conocida por su elegancia y por la geometría de sus formas, la arquitectura Art Decó surgió en París en los años 20 y se popularizó alrededor del mundo. En la Ciudad de México quedan ejemplos; algunos son famosos y otros permanecen discretamente en el paisaje urbano. Una de las primeras muestras de esta corriente es la sede de la Alianza de Ferrocarrileros Mexicanos, planeada por Vicente Mendiola en 1926, que se mantiene en pie hasta nuestros días en Ponciano Arriaga 20. A una cuadra se levanta el Frontón México, creado por Joaquín Capilla y Teodoro Kunhardt, e inaugurado tres años más tarde; luego de incontables competencias de jai-alai y patinaje, el recinto cerró en la década de los 90.

Entre los edificios más representativos se encuentran los que construyó la Fundación Mier y Pesado de 1929 a 1932. El Ermita, en la esquina de Revolución y Jalisco, es obra de Juan Segura e incluye departamentos, locales y una sala de cine que ahora funciona como el Teatro Hipódromo Condesa. Destacan las puertas con marquesinas de concreto, el patio central y los detalles de la decoración interior. A unos pasos está el Conjunto Isabel, modelo similar que añade una calle privada con viviendas independientes. En el centro de la fachada hay un diseño a base de círculos y zigzags que Segura retomó en el edificio de Chilpancingo 8.

Al norte de la capital, la fundación estableció un orfanato en la Calzada de Guadalupe. Este inmueble es de la autoría de Manuel Cortina y se caracteriza por la distribución de sus 10 pabellones alrededor de un patio ovalado. Vale la pena apreciar el vestíbulo, el gimnasio que conserva el mobiliario original y los salones que sirvieron de escenario para la cintaObediencia perfecta.

En Reforma y Lieja, frente a la Puerta de los Leones, la Secretaría de Salud sobrevive al transitado paradero que la rodea. Fue realizada por Carlos Obregón Santacilia en 1929, y llama la atención su planta en forma de V con un área verde en el centro; también son notables los murales y vitrales de Diego Rivera que aluden a la salud y a los cuatro elementos. A inicios del siglo pasado, este predio formaba parte del Parque Luna, un sitio de recreación que contaba con juegos mecánicos.

No puede faltar uno de los símbolos de la Escandón: el Edificio Martí, situado en Sindicalismo 87. En un inicio se llamó Edificio Jardín, y la planta baja era un corredor abierto, pues la propuesta de Francisco Serrano buscaba incorporar la vegetación al espacio habitacional.

Se concluyó en 1931 y se distingue por las terrazas interiores y las escaleras helicoidales con ventanales.

Hacia el sur, en Gabriel Mancera y Torres Adalid sobresale una figura que el ingenio popular ha bautizado como “la Virgen del tránsito”. Se trata del templo del Inmaculado Corazón de María, concebido por Luis Olvera y Miguel Rebolledo en 1954 y, aunque el exterior es gris, la nave principal es espaciosa y colorida debido a los vitrales que la adornan. Su aparición estelar ocurrió en 1996, en la película Romeo y Julieta. De paso hay que ver el Edificio Villaviciosa, en Adolfo Prieto, que se remonta a 1931 y luce rasgos geométricos.